Что значит полусценическое исполнение оперы

Буду благодарен всем, кто поделится своими мыслями по поводу-
Какая опера «выдерживает» концертное исполнение?
Я имею ввиду исполнение оперного произведения, или части его в филармоническом концерте. Если Вам доводилось бывать на таких концертах- каковы были Ваши впечатления?
Какую оперу вы бы пошли слушать в концертном исполнении?

Пошел бы слушать все неизвестные, о которых есть (у меня) подозрение, что музыка — хорошая.

Слушал в концерте, кроме всего прочего, «Птицы» Вальтера Браунфельса — впечатления сильнейшие. Никакой постановки и не хотелось смотреть после такой интерпретации.
А вообще оперу сейчас зачастую так «раздевают» на сцене, что хоть глаза закрывай. Певцов же ставят в неудобные (для пения) позы, так что и музыкальная сторона страдает. Вот и думаешь: лучше послушать в концерте.
Но есть и такие оперы (типа «Света» Штокхаузена), в которых по замыслу автора очень важен зрительный ряд: цветовая символика, например. Тут уж без сцены авторский замысел понять очень трудно. Если, конечно, режиссер ему следует.

Концертное исполнение выдержат, наверное, многие итальянские оперы — если все идеально спето и сыграно. Верди, веристы. Насчет бельканто меня гложат сомнения. Немецкие зингшпили я бы в концертном исполнении не слушала: все-таки, много диалогов, нужно играть. Вагнер в концертном исполнении пойдет, ИМХО.

В Минске в июне в концертном исполнении дают «Аиду». Анисимов приглашает какой-то интернациональный состав певцов. Я пойду, потому что мне просто интересно послушать, что из этого получилось.

А вот попытки исполнять в концерте оперу на языке оригинала (то есть на иностранном языке, которого слушатели не знают) — весьма мучительны.

Почему?! Слушаем же мы оперы на пластинках, в том числе и на непонятных нам языках!

Не так давно мы были на концертном исполнении «Травиаты» в Израильской филармонии. Пели по-итальянски, сверху на экране шли титры на иврите (не очень подробные, надо сказать, только общий смысл). Публика была в полном восторге, ибо исполнение было на высоте, а сюжет большинству вполне известен.

Насчет «Алеко» согласна, эту оперу я обожаю, но слушала только в концерте и на диске. Был еще фильм, который мне, помнится, не понравился.
А вот идея про «Руслана и Людмилу» мне кажется весьма странной. Это же сказка, там зрительный ряд не помешает 🙂

Источник

«Сказки Гофмана»: эксперимент Мариинского перед премьерой на фестивале «Звезды белых ночей»

Показывая оперу в полусценическом исполнении, Валерий Гергиев готовит полноценную премьеру, которая в конце мая откроет знаменитый фестиваль. Режиссером постановки станет итальянец Давиде Ливерморе.

Мариинский театр почти показал публике знаменитую оперу Оффенбаха. Почти — потому что это не премьера, не новое прочтение старой постановки. Просто команда решила показать публике нечто вроде эскиза. Но просто так в Мариинском ничего не бывает.

Завсегдатаи театра маэстро Гергиева были не очень удивлены, увидев пару месяцев назад в афише название «Сказки Гофмана» с припиской «полусценическое представление». Последнее обращение Мариинского к этому шедевру датируется 2011 годом, когда Василий Бархатов выпустил здесь свою продукцию, в которую затащил Щелкунчика, а также позаимствовал для повествования мотивы таких кинолент, как «Сияние» Стэнли Кубрика, «Женщина рядом» Франсуа Трюффо и «Игры разума» Рона Ховарда. Как обычно, эта постановка вышла у Бархатова многоярусной, донельзя наполненной смыслами, экивоками и аллюзиями. Беда в том, что сложносочиненные спектакли Бархатова долго не живут. Так было с «Летучим голландцем» и «Евгением Онегиным» в Михайловском театре, этот же удел ожидал бархатовскую «Русалку» в Мариинском. И «Сказки Гофмана» пополнили этот перечень скорбных утрат – последний показ спектакля прошел в ноябре 2015 года.

Сама по себе опера Оффенбаха поистине волшебная, очень фактурная, дающая простор и сценографам, и в особенности исполнителям, требуя, правда, взамен от них максимума прилежности и ответственности. Но голосами Мариинский театр не обделен. И было бы странно такому театру не иметь «Сказок» в афише.

Другое дело, что формула ввода того или иного названия в репертуар здесь давно получена: сначала опера несколько раз дается в концертном исполнении, а после выпускается премьера. Из недавних примеров можно вспомнить «Царскую невесту», в ближайшем будущем ждем появления «Орлеанской девы». Но «Сказки Гофмана» заслужили особого отношения — их запустили в формате semi-stage, который обычно характерен для фестивалей, когда нужно вывезти спектакль «на воздух» с весьма условными декорациями. Яркий пример — постановки первого и пока единственного в России фестиваля «Опера — всем», который проходит в исторических местах Санкт-Петербурга и его пригородов.

Но на Новой сцене Мариинского театра наблюдать такой формат все же непривычно. А в своих отзывах на представление зрители неоднократно отмечали, что так и не поняли, почему это исполнение назвали полусценическим: на сцене были вполне себе декорации, аскетичные, но на западных площадках и «полноценные» оперы запускаются в куда более скудном оформлении. В беседе с «Культурой» ясность внес первый солист балетной труппы Мариинского театра Александр Сергеев, который выступил в роли хореографа спектакля:

— У нас не было задачи делать новую постановку. Но актерские задачи ставятся, образы прописываются, и взаимодействие между персонажами должно быть четким и читаться. Например, поскольку по задумке режиссера Олимпия была испанской куклой, мне нужно было придумать рисунок танца и ее передвижений во время прекраснейшей арии. Также я жестко структурировал действия хора в этот момент и вообще по максимуму старался сделать так, чтобы каждый артист хора знал, где он находится и что делает в каждую секунду.

Режиссером спектакля стала Кристина Ларина, для которой эти «Сказки» оказались сюрпризом:

— Я была знакома с материалом ранее, но предложение поработать над оперой «Сказки Гофмана» поступило от Валерия Абисаловича Гергиева совершенно неожиданно, и времени на постановку даже в полусценической версии было катастрофически мало, поэтому работа над спектаклем велась стремительно. Моим отправным пунктом было то, что Оффенбах здесь цитирует комическую оперу Моцарта «Дон Жуан», основанную на испанских народных легендах. А также понимание того, что Гофман был одним из самых талантливых и сумасшедших романтиков своего времени, которому было не чуждо пропьянствовать в кабаке несколько дней подряд, при этом рождая в своем обостренном воображении невероятные, фантастические истории.

Собственно, с пьяного Гофмана и начинается постановка. На сцене — никак не условная, а вполне масштабная декорация, изображающая кабачок, на полу которого и возлежит недвижное тело главного героя. Рядом с ним — Муза, принимающая облик друга Гофмана Никлауса, чтобы оберегать писателя в его странствиях. Про мере развития событий сцена наполняется официантами и посетителями заведения. Это хор, который после превратится и в гостей в доме Олимпии, и в свиту венецианской куртизанки Джульетты: полусценическое исполнение выглядит весьма многолюдным. Камерные же эпизоды решены компактно и изящно: передний план отделается от основного пространства экраном на манер большой ширмы, на фоне которого и разворачиваются события. Исключение составляет история Джульетты: здесь для создания атмосферы неги и порочной роскоши на сцену выставили сразу три ванны, в которых чаровницы потягивают шампанское, поднесенное мускулистыми амурами с обнаженными торсами.

Главной неожиданностью вечера стала замена дирижера: Валерия Гергиева сменил за пультом Кристиан Кнапп — и оркестр звучал превосходно. Главным же украшением постановки нужно признать исполнительниц трех основных женских партий — возлюбленных Гофмана. Айгуль Хисматуллина в роли куклы Олимпии (искусственной женщины, согласно представленному синопсису) не только довела до автоматизма механические движения, но и безукоризненно исполнила сложнейшую колоратурную арию Les oiseaux dans la charmille, являющуюся одной из самых сложных в мировом репертуаре. Татьяна Сержан, мариинская звезда первой величины, всегда прекрасна, а в партии Джульетты — femme fatale — особенно. Но все же вдохновеннее всего в этот вечер прозвучала Екатерина Гончарова в партии Антонии. Образ обреченной на смерть больной героини — хрупкой женщины по синопсису — был эффектно подчеркнут страстным и одновременно хрупким звучанием, особенно проникновенным во время финального терцета второго действия. Слов нет, три блистательные исполнительницы «сделали» это представление.

Но не они одни. Помимо роскошного хора, нельзя не сказать «браво» в адрес Сергея Скороходова (Гофман), солистки Академии молодых оперных певцов Мариинского театра Эвелины Агабалаевой (Никлаус) и в особенности Станислава Трофимова, который, в полном соответствии с замыслом Оффенбаха, выступил сразу в четырех партиях злодеев — Линдорфа, Коппелиуса, Доктора Миракля и Дапертутто. И все остальные исполнители оказались на высоте — не было не только ни единой проваленной партии, но и сколько-нибудь принципиальных огрехов. Тем более жаль, что на этом образцовом исполнении зал оказался полупустым. Возможно, причина в том, что в марте на Новой сцене показали первый semi-stage с другим составом. Но на фоне низкой стоимости билетов (от 500 рублей) эта причина выглядит уж очень относительной.

Организуют ли в Мариинском еще один показ полусценической версии, неясно. Но, как рассказали «Культуре» в театре, принято решение подготовить полноценную премьеру «Сказок», которая в конце мая откроет фестиваль «Звезды белых ночей». В качестве режиссера Валерий Гергиев пригласил итальянца Давиде Ливерморе, который работал на многих мировых сценах. В частности, в 2018 году он поставил «Бал-маскарад» Джузеппе Верди в Большом театре.

Источник

Концертное исполнение — Concert performance

Концертный или концертная версия является выступлением в музыкальном театре или оперу в концертном виде, без сценографии и костюмов, и в основном без театрального взаимодействия между певцами.

Концертные представления обычно проводятся в концертных залах без театральной сцены, но иногда также и в оперных театрах, когда постановка сценического искусства считается слишком сложной или дорогой. Во время концертного выступления в оперном театре оркестр не играет в оркестровой яме . Часто они играют на сцене, за ними хор (хор), а перед ними стоят солисты.

Концертные представления, постановка которых обходится дешевле и требует меньшего количества репетиций, ставилась со времен самых ранних опер 17 века; этот режим становится все более популярным в 21 веке.

С 1960 года концертные выступления вместе с сценическими постановками являются частью ежегодного Зальцбургского фестиваля . В Theater an der Wien с 2006 года регулярно проводятся концертные выступления, в частности, оперы в стиле барокко с тщательно продуманными декорациями.

СОДЕРЖАНИЕ

Оперные спектакли

Некоторые компании , такие как Вашингтон Concert опера , в американской опере общество , Ив Квелер «s оперного оркестр Нью — Йорк и Балтимор Concert опера специализируются на выполнении опер в концертном исполнении. Оркестр Музыкального центра Тэнглвуд под управлением Джеймса Левина исполнил концертную версию Электры в 2006 году. Бостонский симфонический оркестр исполнил полуэтапные концерты Электры под руководством Сейджи Одзавы в 1987 и 1988 годах.

Спектакли музыкального театра

В некоторых городах проводятся постоянные серии концертов музыкального театра, например, Encores! и мюзиклы сегодня вечером! серия концертов в Нью-Йорке и серия Lost Musicals в Лондоне. York Theater Company в Нью-Йорке представляет постановочные концерты в своей серии концертов «Musicals in Mufti», которая «обнаружила ряд напрасно забытых жемчужин . представляющих больше названий, чем любая другая театральная концертная серия в мире». 42nd Street Moon в Сан-Франциско , Калифорния, представляет постановочные концерты мюзиклов, чтобы выделить «ранние и менее известные произведения». Фестиваль Ravinia в Highland Park, Illinois также подарки устроили музыкальные концерты театра. Например, в 2006 году на фестивале была представлена концертная версия Gypsy с Патти Лупоне в главной роли .

Симфонические оркестры также представляют концертные версии музыкального театра, такие как серия концертов New York Philharmonic в Нью-Йорке. «Симфонический оркестр Сан-Франциско» представил концертную версию « Вестсайдской истории» в 2013 году и полуэтапную постановку « В городе» в 2016 году. Оркестр Филадельфии представил постановочную концертную версию мюзикла «Маленькая ночная музыка» в 2001 году.

Английская национальная опера (ENO) представила полусценические концерт Бульвара Сансет в 2016 году В 2015 годе ENO дал производство концертного Суини Тодда .

Преимущества

Концертные версии опер и мюзиклов также предоставляются в качестве пособия. Например, Актерский фонд Америки представил концерты таких мюзиклов, как « О двадцатом веке» , « Девушки мечты» , « Веселая девчонка» , « Шахматы и волосы» . Концертная версия Anyone Can Whistle была представлена в Карнеги-холле в 1995 году в качестве пособия в связи с кризисом здоровья геев. В 1997 году воссоединение » Into the Woods» в честь 10-й годовщины было представлено как концерт в пользу Friends In Deed и Божьей любви, которую мы доставляем. Джеймс Лапин отметил, что этот концерт был «немного более неформальным», чем воскресный воскресный концерт с Джорджем в парке , который проходил в официальной одежде.

Некоторые компании устраивают постановочные концерты в пользу компании. Например, Roundabout Theater Company в Нью-Йорке представила такие концерты, как « Убийцы» (2012 г.) и « Она любит меня» (2011 г.).

Источник

В Мариинском театре показали премьеру полусценической версии оперы «Лакме»

На Исторической сцене Мариинского театра показали премьеру полусценической версии оперы «Лакме» Делиба . Сопрано Кристина Алиева и бас-баритон Маггерам Гусейнов в главных партиях были главными магнитами спектакля благодаря ярким голосам и эффектным внешним данным.

«Лакме» – главный оперный шедевр Лео Делиба , который исследователи ставят даже выше его балетов «Сильвия» и «Коппелия». Так называемый цветочный дуэт из этой оперы – магический хит, который используют в рекламе – от элитных сортов чая до туров на экзотические курорты. А с арией с колокольчиками колоратурные сопрано побеждают на престижных вокальных конкурсах.

Мировая премьера произведения состоялась в 1883 году на сцене парижской «Опера-Комик», спустя год после премьеры «Снегурочки» Римского-Корсакова в Мариинском театре . У этих двух как будто далеких друг от друга героинь есть немало общего: обе – дети природы, несущие свои незыблемые патриархальные ценности против агрессивной и разрушительной цивилизации. Рядом с Лакме всегда ее отец брамин-фанатик Нилаканта, как за спиной Снегурочки стоит ее родитель Дед Мороз, к слову, тоже бас. Самым необъяснимым образом роднит эти оперы и острохарактерный гармонический оборот, появляющийся в легенде Лакме и обращении Снегурочки к матери Весне, делая этих оперных героинь духовными сестрами. Делиб вряд ли мог заимствовать его у русского коллеги, а потому поразительное сходство гармоний можно отнести к категории случайных совпадений, витавших в воздухе эпохи, увлекавшейся всем экстраординарным.

Обе оперы возникли в период промышленного переворота, когда усилилась обеспокоенность от посягательств на природные ресурсы, но в культурно-историческом контексте возникновения «Лакме» были и свои отличия. Как уточняется в синопсисе этой оперы, ее «действие происходит в Британской Индии в конце XIX века», когда актуальным был вопрос борьбы за независимость со всеми вытекающими последствиями. Два главных героя – индианка, дочь брамина, и английский офицер Джеральд влюбляются друг в друга, но различие кровей и религий может примирить только жертва. Ею и становится Лакме, вдыхая аромат ядовитого цветка. Так же как и Снегурочка примиряет своей смертью-таянием возникший конфликт интересов.

Как видно, поводов для постановочных фантазий «Лакме» дает в избытке. Но только не в случае с полусценической версией Мариинского театра , за которую в большинстве сцен было чрезвычайно неловко. Если бы подобное увидели в каком-нибудь заштатном театрике с крошечным бюджетом и отсутствием возможностей найти хорошего режиссера или на сцене какой-нибудь консерваторской оперной студии, можно было бы умилиться попыткам поддерживать репертуар новыми названиями. Когда же эту режиссерскую немощь приходится наблюдать на сцене ведущего театра страны, возникает много вопросов. Главный из них – «зачем»? Ведь такой уровень может привести и к падению интереса публики к опере, которую таким образом превращают в бессмысленное зрелище.

В программке значилась формулировка «мизансцены Изабель Парсьо-Пьери», чьи постановки «Паяцев» и «Адрианы Лекуврер» уже отличились посредственностью. Статья в скромном лифлете к премьере содержала интересной информации гораздо больше, чем само зрелище. Даже полусценическую версию можно было поставить с умом, а не прикрывать этой жанровой формулировкой провалившийся спектакль.

Музыка «Лакме» изобилует гармоническими, тембральными, ритмическими и мелодическими фантазиями, которые зацветали буйным цветом, прежде всего в описании сцен, связанных с природой, нравами и обрядами индусов. Эти картины отличались динамизмом выразительных средств в оркестре, да и на сцену были брошены и хоровые, и хореографические силы, которые, правда, больше всего напоминали знаменитую «Вампуку, невесту африканскую» и плохие копии балета «Баядерка».

Дабы избежать банальности, художники решили не показывать на видеопроекциях никаких животных – ни коров, ни обезьян, ни слонов. Рядом с массовыми сценами в этой опере много лирических излияний, на которые Делиб тоже не поскупился, благо был мастером тонкого вокального письма в своих романсах. В этот раз подобные излияния превращались в летаргический дурман, со сцены смывало всю мельтешащую массовку, и солисты оставались один на один со скучающей публикой, потягивая куплет за куплетом журчащие, струящиеся мелодии. Кроме арий в опере было много и дуэтов, и ансамблей, в которых исполнители болтались по сцене, не зная, куда деть руки, ноги, головы.

Оставалось петь. С этим все же было получше. Ансамбль европейцев – дочери английского губернатора в Индии Элен, ее сестры Розы, а также миссис Бентсон – был идеально собран из голосов сопрано Людмилы Разумковой , Елены Горло , изумившей красотой и чувственностью тембра и интонаций, а также многоопытной меццо-сопрано Елены Соммер , незаменимой в характерных ролях. Выходы европейцев обрисовывались композитором нарочито кукольно, механистично в их манерах ротозеев, высокомерно наблюдающих за нравами коренного населения, как за экспонатами в этнографическом музее. Благородством и богатством баритона радовал Егор Чубаков в партии Фредерика. Не подвела и прислужница Лакме – Маллика в стилистически безупречном исполнении Дарьи Рябоконь . А вот лирическому тенору Денису Закирову , особенно ближе к финалу, пришлось несладко от сложности партии, написанной слишком щедро. Вместо полнозвучного пения у него получалось какое-то странное бледное напевание вполголоса.

Бас-баритон Маггерам Гусейнов был весьма органичен в партии брамина Нилаканты. Лирико-колоратурное сопрано Кристина Алиева с ее миниатюрным ростом предстала невероятно трогательной и духовно наполненной Лакме. Но в знаменитом колокольчиковом вокализе дирижер взял слишком медленный темп, отчего потерялся весь эффект этой завораживающей арии. Певица показала колокольчиковое сверкание своего сопрано, хотя на самых верхушках ей недоставало ни блеска, ни прочности.

Далеко не первый состав оркестра (первый был занят в тот же вечер на Реквиеме Берлиоза в Концертном зале, дирижировал маэстро Гергиев) звучал под управлением Кристиана Кнаппа очень неровно, местами неряшливо, выбиваясь из баланса и превращаясь в значительной части партитуры в обслуживающий аккомпанемент. Так музыканты, вероятно, решили восполнить недостаток художественности режиссуры и встать на сторону недовольных жителей колонии, уставших от несправедливостей и требующих у Брахмы скорейшей помощи.

Источник